DIARIO DECIMOCUARTA SEMANA, 17 de mayo a 24 de mayo

UN POCO MÁS SOBRE ALGUNOS ARTISTAS

El pasado jueves, 18 de mayo, tuvieron lugar en el aula, cinco de las presentaciones sobre los temas de investigación asignados, en concreto y por orden de exposición, en primer lugar, Laura (https://laurasann.blogspot.com/) expuso el tema "Arte del siglo XX: Bauhaus", después Alberto (https://blogalbertogarciiasanchez.blogspot.com/), por su parte, desarrolló "Arte del siglo XX: Surrealismo", a continuación Clara (https://garabateandoo.blogspot.com/) presentando "El Arte Precolombino", luego Julia (https://portafolioedplastica.blogspot.com/) con el tema "Arte del siglo XX: Pop-Art" y por último Ángela (https://portafolioangelag.blogspot.com/) con su discurso sobre "Arte del siglo XX: Dadaísmo". 

Entre estas exposiciones de mis compañeros, citadas anteriormente, me gustaría centrar mi atención en varios de los artistas citados y algunos otros que mencionó el profesor al terminar dichas presentaciones. 

ARTISTAS DEL SURREALISMO

Fuente: elaboración propia

• Isabel Villar

Isabel Villar (Salamanca, 1934) su primera exposición a finales de 1970 y, a sus 84 años.

Empezó de niña porque le gustaba dibujar y estaba siempre con el lapicero en la mano. Después, en el colegio la consideraban “la dibujante oficial” y cada mes de mayo dibujaba una Virgen… Luego ya comenzó a prepararse en una escuela de Salamanca, porque es salmantina, para entrar en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando y estudiar la carrera en 1953.

Su pintura sólo es ingenua en apariencia; revela un mundo ordenado en el que pueden convivir los humanos con los animales salvajes, un entorno utópico que puede evocar aquel jardín del Edén en el que Adán daba nombre a los animales y todo era paz y armonía. Ese deseo del retorno al origen, tan deseado por románticos y surrealistas, es el mensaje subyacente en las placenteras pinturas de esta personalísima creadora.

Es conocida y reconocida por sus escenas de mujeres en escenarios mágicos, acompañadas de todo tipo de animales. La entretiene imaginar, afirma que nunca podría se hiperrealista porque le aburre tener que copiar.

Obras de Isabel Villar

                  Imagen 1: Noche tranquila, 1979.                                                            Imagen 2: Cuatro mujeres en un río, 2020.
   Fuente: Isabel-Villar-Noche-tranquila-1979.-Colección-              Fuente: Isabel-Villar-Cuatro-mujeres-en-un-río-2020.-Galería-
      Ana-Tomás-de-Pozuelo.jpg                                                                       Fernández-Braso.jpg

 Imagen 3: Familia del Obispo, 1981.                                                                           Imagen 4 : Isabel pintando

     Fuente:  Isabel-Villar-Familia-del-Obispo-1981.-Galería-Fernández-Braso.jpg                  Fuente: Isabel-Retrato-low-768x512.jpg

En su obra Noche tranquila, vista en la Imagen 1, su personaje femenino se sienta tranquilamente con un león, reflejando que los animales añaden simbolismo a sus escenas exóticas. En el caso de Cuatro mujeres en un río, vista en la Imagen 2, observamos como la artista en diversas ocasiones presenta a la figura de la mujer desnuda jugando en paisajes naturales. También encontramos obras que reflejan la puesta en escena de los retratos familiares como es el caso de Familia del Obispo, visto en la Imagen 3, que se aleja de la narrativa mágica para acercarse a la disposición de la imagen fotográfica, y la mirada social y política.

• Remedios Varo

María de los Remedios Varo Uranga nace el 16 de Diciembre en Anglés (Gerona), España. Es hija de padre andaluz y madre vasca. En 1917 la familia se establece en Madrid en la calle de Segovia. A temprana edad, Remedios lee muchísimo y desarrolla gran capacidad matemática y pasión por el dibujo. En 1924, después de una instrucción básica en colegios católicos, su padre le hace ingresar en la famosa Academia De San Fernando. En 1937 la artista participa en la Exposición Internacional del Surrealismo en Tokio.

Remedios Varo fue una de las exponentes del surrealismo que floreció en México, a su vez, este movimiento artístico fue una derivación de la escuela vanguardista, cuyo nacimiento surgió después de la Primera Guerra Mundial. Algunos sugieren que el surrealismo fue una consecuencia de la devastación bélica; si el exterior carecía de sentido, era momento de volver la mirada hacia el interior. Aunque nació en Girona, la artista siempre se sintió mexicana por lo que desarrolló su vida y obra en dicho país.

Obras de Remedios Varo

Imagen 5: Hacia Acuario, 1961                                   Imagen 6: Alegoría de invierno, 1948                                              Imagen 7: Personaje, 1961
Fuente: Cat.316-Hacia-Acuario-1961-web.jpg    Fuente: Cat.89-Alegoría-de-Invierno-1948.jpg                          Fuente: Cat.323-Personaje-1961-1.jpg

• Ángeles Santos

Ángeles Santos Torroella nació en la localidad gerundense de Portbou, el 7 de noviembre de 1911. Internada en el colegio de las Esclavas Concepcionistas de Sevilla, se inicia así en dibujo y la pintura, afición que continúa en Valladolid (Calle Alonso Pesquera, 11), en donde recibirá clases del pintor italiano Cellino Perotti, un experto en el arte de la restauración.

En octubre de 1929 la artista participó en el IX Salón de Otoño, celebrado en el Palacio de Exposiciones del Retiro en Madrid, con tres obras: Autorretrato, Niñas y Un mundo, su obra más conocida que representa un extraño planeta surrealista (expuesto en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía) y que causó sensación entre las élites de intelectuales del momento . El surrealismo autodidacta de Ángeles Santos reflejado en Un Mundo era poco menos que un milagro, teniendo en cuenta la temprana edad de la artista y el poco contacto con las nuevas tendencias artísticas y culturales que vivía en Valladolid. Un surrealismo que murió con ese cuadro, pues Ángeles no volvió a pintar ya nada parecido.

Imagen 8: Un mundo, 1929                                                                                                  Imagen 9: Tertulia, 1929
Fuente: https://apintoresyescultores.es/wp-content/uploads/2019/05/un-mundo.jpg    Fuente: https://apintoresyescultores.es/wp-content/uploads/2019/05/tertulia.jpg

Ángeles Santos es calificada por la historiografía como una de las artistas más destacadas dentro del arte del siglo XX por tan sólo dos obras realizadas con apenas dieciocho años, pero enormemente significativas en su producción, Un mundo (vista en la Imagen 8) y Tertulia (vista en la Imagen 9). Ambas creaciones, consideradas obras maestras en el mismo momento de ver la luz, adquirieron un enorme reconocimiento por parte de intelectuales y artistas de finales de los años veinte que inmediatamente la incorporaron dentro de la vanguardia pictórica más transgresora. En concreto Un mundo, puede representar uno de los mejores y más tempranos ejemplos del surrealismo español.

• Maruja Mallo

Maruja Mallo (en realidad Ana María Gómez González) fue una de las principales artistas de la Generación del 27 española y una importantísima creadora que viajó por todo el mundo y se relacionó con los grandes de su tiempo.

Nacida en Viveiro en 1902 (Lugo) se trasladó a Madrid y comenzó a estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde entabló una gran amistad con Salvador Dalí, pero acabará abandonando la academia por su encorsetado sistema. Maruja Mallo era ante todo libre y destacó por su fuerte activismo. La gallega forma parte del conocido grupo de «Las sin sombrero», se trata de un grupo de mujeres artistas, jóvenes intelectuales, españolas nacidas entre 1898 y 1914. El nombre viene de una anécdota contada por la propia artista, ella junto a Margarita Manso, Salvador Dalí y Federico García Lorca decidieron cruzar la Puerta del Sol y quitarse el sombrero en público en contra del protocolo que debían seguir los ciudadanos por aquel entonces. Quitarse el sombrero suponía un símbolo de rebeldía y liberación. 

Vivió en París y Nueva York tras estallar la Guerra Civil española. Como artista cultivó un surrealismo muy especial. Su estilo pasó por dos etapas diferenciadas, una colorista en los años 20 con temáticas mágicas, cosmopolitas y optimistas; y otra sombría y apagada en los 30, más caótica y desequilibrada. 

También experimentó en esta etapa técnicamente incorporando al lienzo materiales orgánicos (ceniza, cal…).

Vuelve a su país en los años 60 tras un cuarto de siglo de exilio.

La invisibilización de las mujeres artistas por parte de la historia y el hecho de que se tuviese que exiliar en Argentina, a causa de sus ideas republicanas, gran parte de su vida, contribuyeron a que el nombre de Maruja Mallo haya sido ignorado por muchos.

Imagen 10: La verbena, 1927                                            Imagen 11: Antro de fósiles, 1930                                          Imagen 12: Tierra y excrementos, 1932
Fuente: 165235.jpg                                               Fuente: images                                                                                 Fuente: tierra-y-excrementos-1932.jpg

ARTISTAS DEL POP-ART

Fuente: elaboración propia

• Manolo Valdés

Manuel Valdés Blanco, conocido como Manolo Valdés, nació en 1942 en Valencia. Destacado pintor, grabador y escultor español, comenzó sus estudios en 1957 cuando entró en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, pero a los dos años abandonó para dedicarse por completo a la pintura. Ya en los primeros trabajos realizados en esta etapa, el joven Valdés demostró una capacidad creadora y una habilidad técnico-formal fuera de lo habitual. En 1962, presentó un conjunto de obras en ese estilo en la Galería Nebli de Madrid, supuso su primera exposición individual. A principios de los años 60, Valdés junto con los artistas Gorris, Juan Antonio Toledo y Rafael Solbes entre otros, y el historiador Tomás Llorens, constituyó el grupo Estampa Popular de Valencia, con el fín de redefinir el papel del arte y del artista en el marco de una España en proceso de transformación. En 1964, Valdés, Rafael Solbes y Juan Antonio Toledo, se escindieron de estampa popular y formaron Equipo Crónica. Un año después Toledo abandonaría el proyecto y éste quedaría hasta la muerte de Solbes en 1981 en manos de los dos primeros. Este grupo surgió como crítica al individualismo y durante 17 años introdujo en España un nuevo lenguaje artístico cercano al pop, y supieron combinar el compromiso social y político de sus autores con ironía y humor. Tras la muerte de Solbes, Valdés comienza a emprender su camino en solitario trasladándose a Nueva York, ciudad en la que continúa actualmente recreando su universo personal tanto en pintura como escultura.

Reinterpreta a los pintores clásicos y las grandes obras de la historia del arte, en los que destacan la textura, la materia, la luz, el color, la representación del cuerpo humano y la fuerza contenida de los rostros. A lo largo de su carrera profesional, Valdés ha participado en más de sesenta exposiciones individuales y otras tantas colectivas, además de las realizadas en Equipo Crónica. Esto, obviamente además de su talento indiscutible, lo ha convertido en uno de los artistas con mayor proyección internacional. Ha recibido, entre otras, las siguientes distinciones: Premio Nacional de Artes Plásticas, Medalla Nacional de Pintura de Bellas Artes de España, Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes de España, Chevalier dans l’Ordre du Merite Culturel Monegasque de Mónaco y Officier de L’Ordre National du Merit de Francia.

      Imagen 13: Bodegón con jarro y fondo azul                            Imagen 14: Bonnard como pretexto                         Imagen 15: Vivianne con traje azul
       Fuente: 1U9L6O9.jpeg                                                                 Fuente: xRnOMT2.jpeg                                                   Fuente: Wi6eUJF.jpeg

• Claes Oldenburg

Claes Oldenburg (Estocolmo, 1929) artista americano. Junto a Andy Warhol, es considerado una de las figuras más destacadas del Pop-Art, tendencia inspirada en la cultura de masas que alcanzó su auge en la década de 1960. 

Presentó su primera exposición individual en la Judson Gallery (1960) bajo el título de "La calle". En ella reunía figuras y objetos realizados con materiales baratos (tela, cartón, papel), formando una singular evocación del paisaje urbano.

Un año después expuso "La tienda", un espacio atestado de facsímiles de alimentos, ropa y otros objetos, hechos fundamentalmente con alambre, yeso y tela, y pintados de brillantes colores. La intencionalidad de crear un realismo mimético era evidente, pero esos productos se parecían más a sus imágenes publicitarias que a ellos mismos y la mayor novedad de la exposición fue el hecho de obligar al espectador a meterse, literalmente, dentro de la obra para poder contemplarla.

A partir de 1962 introdujo un cambio sustancial en el modo de reconstruir los objetos cotidianos y empleó para ello lonas rellenas de estopa, con lo que sus formas no eran estables, a la vez que agigantaba sus tamaños. El cambio de duro a blando es también una incitación al tacto, un modo de dotar de calidez a la escultura, de querer hacerla más cercana al observador. Más tarde vendrían la monumentalización de objetos cotidianos como el Botón roto o la gran Piqueta que clavó en un jardín .

Con estas esculturas quiere provocar un desplazamiento de la percepción que habitualmente se tiene de los objetos que nos rodean. Por su interés en lo paradójico, Oldenburg está más cercano al dadaísmo o surrealismos originales que el resto de los artistas pop.

 Imagen 15: Puente-cuchara y fresa, 1988                    Imagen 16: Estuche de repostería, I, 1961-1962                    Imagen 17: Floor cake, 1962
   Fuente: https://www.biografiasyvidas.com/biografia/o/fotos/oldenburg2.jpg Fuente: claes-oldenburg-1080x540.jpg Fuente: floor-cake.jpg

MOVIMIENTO DADÁ

Fuente: elaboración propia

• Pablo Picasso

La escultura Cabeza de Toro fue creada por el artista Pablo Picasso en la primavera de 1942 en su taller de la Rue des Grands-Augustins. Se trata de una escultura hecha a partir de objetos cotidianos: la unión de un manillar y un sillín de bicicleta.
La genialidad de esta escultura consiste en unir dos objetos sin que ninguno de los dos pierda su forma inicial, produciendo un tercero alejado de su función original. 
A pesar de emplear un recurso similar a los ready-made de Duchamp, Picasso produce un objeto de gran fuerza figurativa por la recontextualización de distintos objetos que son perfectamente reconocibles, incluso en la reproducción en bronce. Como en los collages o en otras esculturas con material de desecho, son piezas que muestran el extraordinario conocimiento del artista de la naturaleza de los objetos.
La obra original, con los objetos de cuero y metal ensamblados, se puede encontrar en el Museé National Picasso-París. 
Esta se trata de una de las obras escultóricas más importantes del artista. A través de su particular ingenio nos traslada a otra realidad que, en este caso, relacionada con una cabeza de toro. Bien es sabido que la tauromaquia es uno de los temas favoritos de Pablo Picasso.

Imagen 18: Cabeza de toro, 1942
Fuente: Cabeza de Toro, Pablo Picasso, 1942.png

Me parece muy importante introducir a las mujeres artistas dentro del aula para que los alumnos puedan conocer y familiarizarse con su historia. Somos conscientes de que el arte se considera una herramienta pedagógica de gran potencial educativo para enfrentarse a estas situaciones-problemas tan presentes en nuestra sociedad actual, como es el desconocimiento de muchos más nombre de artistas femeninos que masculinos.

BIBLIOGRAFÍA:

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ARTISTA Y MUJER: Una propuesta de intervención didáctica en Educación Primaria. (s/f). Uva.es. Recuperado el 21 de mayo de 2023, de https://uvadoc.uva.es/bitstream/handle/10324/43022/TFG-B.%201560.pdf?sequence=1